Focus : Les cartoons de TEX AVERY

Un article de LUDOVIC SANCHES

Ma cinéphilie, et sans doute celle de pas mal de gens de ma génération, s’est d’abord construite grâce à la télévision. Si pour toute une cinéphilie orthodoxe de cette époque, la télévision (et plus directement la publicité) était l’ennemi désigné, elle se mettait pourtant volontiers au service du cinéma et son patrimoine, amenant par ailleurs à la situation qui allait définir une grande partie de notre politique culturelle depuis plusieurs décennies, celle qui fait de la télévision le financeur privilégié du cinéma français mais aussi de beaucoup de films partout dans le monde.

Il était donc possible grâce à la télévision de se forger une culture cinématographique et il y avait même des instants privilégiés pour cela qui étaient érigés en petites institutions cathodiques: le CINEMA DE MINUIT par exemple ou encore le CINE CLUB de Claude Jean Philippe repris quelques temps plus tard par Fréderic Mitterrand. Le magnétoscope et la cassette VHS furent d’autres outils indispensables à la constitution de cette cinéphilie.

Bien sur, comme tous les enfants de mon âge, je regardais aussi des programmes pour la jeunesse, je suis de la génération RÉCRÉ A2 (plutôt que CLUB DOROTHÉE) et DISNEY CHANNEL (sur la 3 avec les aventures de Winnie L’Ourson racontées par Jean Rochefort). Mais le temps ayant passé, pouvant enfin voir ce qui a perduré dans les souvenirs de mon entourage, ce qui s’est transmis au delà des générations, chez les plus jeunes, entre l’hégémonie envahissante de Disney (qui s’est payé le luxe de s’approprier d’autres icones de notre imaginaire de Marvel à STAR WARS) et le soft power nippon qui a engendré la génération manga, je me sens parfois un peu seul.

Car si je fouille dans mes souvenirs d’enfant et même de grand enfant, c’est toute une galerie de personnages qui ressurgissent et dont il me semble (mais c’est peut être une idée fausse) qu’ils ont été oubliés et dont, en tous cas, personne ne me parle plus: ce sont Bugs Bunny, Porky Pig, Daffy Duck, Pépé le Putois, Woody Woodpecker, Titi et Grosminet, Tom et Jerry, Bip Bip et le Coyote… pour ne citer qu’eux. C’est surtout une émission en particulier, ÇA CARTOON diffusée en clair (c’est important) sur Canal Plus entre 1986 et 2008. Une émission animée par Philippe Dana dans laquelle il présentait tous les dimanches soirs, le week-end se terminant et l’école reprenant le lendemain matin, une sélection de dessins animés issus des studios Warner Bros., Universal, MGM mais aussi parfois de la Fox ou du studio des frères Fleischer. Bien que s’adressant aux enfants, Philippe Dana présentait les cartoons comme on présente les films, mentionnant les dates, les noms des artistes et en particulier des réalisateurs : Chuck Jones, Friz Freleng, Bob Clampett, Robert McKimson…

A la même époque, Eddy Mitchell animait encore LA DERNIÈRE SÉANCE qui récréait à la télé l’ambiance des doubles programmes au cinéma, la programmation était assurée par Patrick Brion et il y avait entre les deux films un entracte avec un dessin animé, souvent un dessin animé de Tex Avery. L’autre grand rendez vous pour voir les classiques, c’était le CINÉMA DE MINUIT et pendant les périodes de fêtes, Patrick Brion remplaçait le traditionnel film par une selection de cartoons réalisés par Tex Avery présentés en version originale sous titrés. Ca allait devenir pour moi un rendez vous incontournable (d’autant plus qu’il était rare) jusqu’au lycée et même plus tard.

Car le cinéma de Tex Avery, ce n’était pas juste une époque, un univers, un style, un humour, c’était aussi un état d’esprit. A state of mind comme ils disent…

Frederick Bean Avery dit « Tex » Avery naît le 16 février 1908 au Texas. Dessinant depuis son adolescence, il part faire des études à l’Art Institute de Chicago où il étudie le dessin et l’animation. Dans un premier temps, il tente de se lancer en tant que dessinateur de comic strip mais peinant à trouver un emploi, alors installé en Californie, il entre comme intervalliste puis devient animateur chez Walter Lantz au studio d’animation de la Universal. Leon Schlesinger crée en 1930 son propre studio d’animation et s’associe avec la Warner Bros. et donne naissance aux séries des LOONEY TUNES ainsi qu’aux MERRIE MELODIES qui se voulaient une réponse aux SILLY SYMPHONIES produites par le studio Walt Disney des 1929. Il recrute Tex Avery en 1935 et Avery rejoint alors l’équipe créative de la mythique « Termite Terrace » (du nom affectueux donné au bungalow pour le moins délabré qui servait de lieu de travail aux animateurs du studio et dont le cinéaste Joe Dante a longtemps voulu raconter l’histoire dans un film) et qui crée collectivement toute une galerie de personnages célèbres de Bugs Bunny à Daffy Duck en compagnie d’autres figures majeures de ce qui est considéré comme l’âge d’Or de l’animation aux Etats Unis: Friz Freleng, Chuck Jones évidemment ou encore Frank Tashlin, le futur réalisateur de LA BLONDE ET MOI (1956) avec Jayne Mansfield et de nombreux longs métrages avec Jerry Lewis.

Mais c’est vraiment quand il intègre (après un bref détour par la Paramount) en 1942 le studio d’animation de la Metro Goldwyn Mayer dirigé par Fred Quimby que Tex Avery va pouvoir laisser exploser son génie. Une grande partie de ce qui constitue l’humour et le style de Tex Avery existait déjà à la Warner : son sens du rythme, ce gout de la vitesse, son utilisation de la musique, la parodie tout terrain, l’absurdité permanente et le jeu avec les conventions du cinéma. Mais travaillant désormais un peu dans l’ombre de TOM & JERRY, les personnages vedettes crées par William Hanna et Joseph Barbera en 1941 et dont le succès fulgurant fut un vrai véhicule pour le studio durant toute la décennie des années 40 (la série remporta sept fois l’Oscar du meilleur court métrage d’animation en dix ans) alors que jusqu’ici celui-ci était loin derrière Disney et consorts, Tex Avery bénéficie de fait à la MGM d’une grande liberté créative, garantie par une solide équipe de collaborateurs, son scénariste Heck Allen (qui par la suite fit carrière en écrivant des westerns), le compositeur Scott Bradley, ses animateurs Ed Love et surtout Preston Blair qui conçut les inoubliables créatures féminines des cartoons d’Avery. Cet âge d’Or va durer jusqu’en 1953, Avery quittant la MGM (le studio d’animation fermera ses portes cinq ans plus tard) pour retourner brièvement à la Universal puis finir sa carrière dans la publicité.

Il faut dire que la concurrence de plus en plus forte de la télévision aura aussi eu raison de cette période faste de l’animation américaine, le duo gagnant Hanna/Barbera continuera sa carrière avec succés sur le petit écran en créant de nombreuses séries animées qui deviendront très populaires. Néanmoins le travail des réalisateurs de cartoons reste peu reconnu au point que quand certains critiques français voudront s’intéresser à son travail, ils commenceront d’abord par se demander si le nom de Tex Avery n’était pas tout simplement un pseudonyme. L’écrivain Robert Benayoun, qui le considérait comme le seul autre grand cinéaste authentiquement surréaliste avec Luis Buñuel, mit des années à retrouver sa trace aux Etats Unis et Tex Avery, aussi discret que modeste comme beaucoup de cinéastes de l’âge d’Or d’Hollywood, fut bien surpris de voir des gens venir s’intéresser de manière aussi savante à son travail. Son influence est pourtant aujourd’hui aussi manifeste qu’indiscutable sur tout un pan de la culture populaire et aussi de ma culture personnelle, du Marcel Gotlib des RUBRIQUES A BRAC et de GAI LURON (ouvertement inspiré de Droopy) au SQUEAK THE MOUSE de Massimo Mattioli (jadis publié dans L’Echo des Savanes et réédité chez Revival), de QUI VAUT LA PEAU DE ROGER RABBIT (1988) de Robert Zemeckis aux films d’animation de Bill Plympton. THE MASK (1994), le film de Chuck Russell qui fit de Jim Carrey une star et qui fut un immense succés, est évidemment un hommage direct à Tex Avery.

Je vous propose donc une sélection totalement partiale et purement subjective de ses films, tous tirés de cette période magique de sa carrière qui dura onze ans à la MGM et d’une filmographie de plus d’une soixantaine de films.

BLITZ WOLF (1942)

La carrière de Tex Avery à la MGM démarre en fanfare avec ce film qui s’inscrit ouvertement dans un mouvement de propagande anti-nazie à Hollywood suite à l’entrée des Américains dans le conflit en décembre 1941. BLITZ WOLF sort le 22 aout 1942 et la même année d’autres studios d’animations produisent des films anti-nazis. BLITZ WOLF sera d’ailleurs nommé à l’Oscar du meilleur court métrage d’animation mais perdra contre un autre film anti-nazi, DER FUEHRER’S FACE, produit par les studios Disney. Il s’agit donc d’une relecture des TROIS PETITS COCHONS, conte traditionnel auquel Walt Disney avait offert une nouvelle popularité avec sa version animée réalisée en 1933 et sa célèbre chanson QUI A PEUR DU GRAND MECHANT LOUP ? composée par Frank Churchill.

Chez Tex Avery, le loup devient Adolf Wolf dont le générique nous précise que toute ressemblance avec un personnage existant n’est pas du tout fortuite. Le point de départ du conte reste le même, seul le troisième des petits cochons semble se méfier de la menace du Loup, l’insouciance des deux autres étant confortée par un pacte de non-agression que leur a signé le Loup dictateur, référence directe au pacte germano-soviétique conclu en 1939. Le bruit des chars et des canons ne tarde pas à se faire entendre mais des son arrivée, l’armée d’Adolf Wolf apparait ridicule et le Loup est instantanément humilié en se prenant une tomate en pleine face comme si elle provenait du public dans la salle. Sa démarche, qu’il se balade tour à tour faisant le salut nazi et la bave aux lèvres ou qu’il soulève son char comme une dame distinguée soulève ses jupons pour ne pas salir ses vêtements, est un régal d’animation. Une fois le conflit déclaré entre le Loup et les Cochons, la prévoyance du dernier Cochon prend ici la forme d’un armement aussi féroce que délirant qui va mettre à mal l’armée du Loup. Canons démesurément longs, avions aux noms loufoques, bombes hurlantes, missiles qui discrètement mettent le feu aux bottes du méchant dictateur, tout est permis. Et quand il s’agit de contrer les attaques du Loup, il suffit de capter l’attention de ses missiles en leur montrant un magazine de charme aux pin-ups aguichantes.

Dans ce grand barnum parodique, les clins d’œil sont nombreux (notamment au cinéma, d’AUTANT EN EMPORTE LE VENT au DOCTEUR KILDARE en passant par le SERGENT YORK incarné l’année d’avant par Gary Cooper dans le film d’Howard Hawks) et Avery use et abuse de son pêché mignon: les panneaux et autres écriteaux qui servent à briser le quatrième mur et à s’adresser directement au spectateur à coups de « Isn’t it ?« , la blague allant même parfois jusqu’à se commenter elle-même dans un troisième ou quatrième degré de l’humour qui semble infini. Evidemment, il s’agit d’encourager l’effort de guerre, l’armement américain s’avérant ici tellement performant qu’il finit par envoyer Adolf aux tréfonds des enfers où il sera chaleureusement accueilli par toute une bande de diablotins réjouis.

RED HOT RIDING HOOD (1943)

Toujours dans la série des parodies de contes célèbres, Avery s’attaque au PETIT CHAPERON ROUGE dont il avait déjà donné une première version à la Warner en 1937. A nouveau, l’ouverture du film respecte la trame du récit tel que connue par tous mais très vite, ca dégénère, les personnages du film, le Loup, le Chaperon Rouge et Mère Grand en ayant marre de toujours rejouer la même histoire se rebellent contre le film, le réalisateur invisible se retrouvant obligé de donner une nouvelle version de ce classique du conte. Là encore, le pacte fictionnel est brisé et l’humour vient chercher la complicité du spectateur, le genre du récit, l’intrigue, les personnages étant réduits à l’état de clichés narratifs qu’on va pouvoir des lors détourner.

Ce qui sidère encore aujourd’hui, c’est comment l’humour passe ouvertement par une érotisation des enjeux du conte orignal: du Loup libidineux au Chaperon Rouge ultra-sexy en passant par Mère Grand transformée en cougar bling bling totalement hystérique, tout cela parait fou dans le cadre d’un cinéma d’animation s’adressant quand même d’abord à un jeune public. C’est dans ce film-ci que Tex Avery crée la séquence mythique du Loup qui à la vue d’une sublime chanteuse et danseuse de cabaret rentre soudainement dans un état d’excitation et de transe qui permet toute une accumulation de gags visuels, métaphorisant de manière parfois très directe la pulsion sexuelle (le corps du Loup se dressant et se raidissant brusquement tel un sexe en érection) tandis qu’animée par Preston Blair, la beauté fatale se déchaine sur scène. Il faut dire qu’en matière de chorégraphie sexy, l’animateur s’y connaissait: dans un des films d’Avery réalisés à la Warner, il avait fait faire un strip tease à un lézard (notons qu’on lui doit aussi de célèbres séquences du FANTASIA de Disney). Projeté devant le public des G.I pendant la Seconde Guerre Mondiale, cette scène culte faisait parait-il son petit effet.

Très vite, le rapport de force s’inverse, d’abord parce que le Loup dragueur ayant tenté de séduire le Chaperon Rouge se voit infliger le râteau le plus hardcore de toute l’histoire du cinéma mais qu’il devient ensuite la cible de Mère Grand, chaude comme la braise, qui voudrait bien en faire son quatre heures. La course poursuite s’emballe sur un rythme frénétique, Tex Avery jouant aussi sur les ellipses, quand le Loup sort une énorme aiguille pour piquer le postérieur de Mère Grand, nous ne voyons pas la scène mais juste sa conséquence tandis que de manière totalement absurde les personnages apparaissent et réapparaissent ici ou là au détriment de toute logique (Droopy sera aussi coutumier du fait). La scène finale en forme de gag de répétition est très drôle mais ce n’était pas la fin originellement prévue qui fut parait-il censurée, le Loup et Mère Grand y convolaient en justes noces. 

SCREWBALL SQUIRREL (1944)

C’est le premier film (il y en aura cinq en tout, tous réalisés entre 1944 et 1946) mettant en scène le personnage de l’Ecureuil fou alias « SCREWY » SQUIRREL, sans doute le personnage le plus furieux crée par Avery, il est vraiment désigné comme étant complètement cinglé, dans un des films suivants, nous le voyons s’évader d’un asile d’aliénés et il se prend visiblement pour Napoléon. Pendant la période Warner, Avery avait déjà donné à Bugs Bunny une personnalité très insolente, typique de son mauvais esprit et qui avait été considérablement adoucie par la suite pour rendre le personnage plus attachant. Avec l’Ecureuil fou, plus besoin de se retenir, on avait vu qu’avec le Loup la pulsion sexuelle s’exprimait ouvertement, mais chez « SCREWY » SQUIRREL, il n’y a plus de surmoi, le Ça se déchaine carrément, c’est un personnage vraiment méchant, régressif, malpoli, vindicatif, incontrôlable, incarnation du sale gosse qui casse tout et adore ça.

La scène d’ouverture est fabuleuse: dans une foret colorée, où les petits oiseaux volent d’arbres en arbres, un écureuil tout mignon gambade et récolte des noisettes, il est interrompu par notre Ecureuil fou qui lui demande de quoi le film en question va parler, ce à quoi l’adorable petite boule de fourrure répond qu’il est le héros du film et qu’il va partir à la rencontre de tous ses petits amis de la forêt. Très vite, le pauvre petit animal est emmené derrière un arbre et l’Ecureuil Fou lui règle son compte sans autre forme de procès. S’adressant directement au spectateur, il le rassure: « De toute façon, cette histoire là ne vous aurait pas plu ! » Difficile de ne pas y voir une pique directement adressée à Disney dont il moque ici la niaiserie et le sentimentalisme de ses dessins animés. Il faut peu de temps pour que l’Ecureuil Fou aille ensuite provoquer un Chien de chasse et il va s’acharner à lui jouer des mauvais tours et à le torturer avec un sadisme assumé. Le Chien, par ailleurs totalement stupide et irrécupérable, passe tout le film à s’en prendre plein la gueule sans aucune raison pour notre plus grand plaisir.

Le rythme est totalement échevelé et l’interruption du mouvement devient source de gags comme quand le film se met à bégayer car le disque qui diffusait la bande son (l’Ouverture du GUILLAUME TELL de Rossini) s’était mis à sauter. Car là réside en fait la folie sans limites du personnage de « SCREWY » SQUIRREL, c’est que c’est bien lui qui a le contrôle total du film, comme le suggérait la scène d’ouverture et ce comme toujours chez Tex Avery, et c’est là sa modernité totale, avec la complicité du spectateur. D’où des gags absolument géniaux comme quand l’Ecureuil décide d’aller regarder la scène suivante du film pour savoir quelle nouvelle vacherie il va pouvoir infliger au Chien ou quand c’est lui-même qui interprète la musique et les bruitages d’une des scènes du cartoon. A bout de force, le Chien supplie alors que le film se termine afin de mettre fin à son calvaire, le générique de fin démarre mais c’est l’Ecureuil Fou lui-même qui l’interrompt pour pouvoir continuer à s’acharner sur le pauvre toutou. La folie furieuse de « SCREWY » SQUIRREL continuera à s’exprimer dans d’autres films mais chose rare, Tex Avery finira par tuer son personnage, celui-ci étant la victime d’un chien triste et solitaire, avide de tendresse. « Sad ending, isn’it ?« 

THE SHOOTING OF DAN MC GOO (1945)

C’est le second film mettant en scène la création la plus célèbre de Tex Avery, je parle ici évidemment du personnage de Droopy. Il apparaissait pour la première fois deux ans plus tôt dans DUMB-HOUNDED dans lequel il était déjà confronté au Loup qui était incarcéré à la prison de Swing Swing et s’en évadait, la police lançant à ses trousses une armée de chiens limiers dont le placide et débonnaire Droopy (un pitch qu’Avery reprendra à l’identique dans NORTHWEST HOUNDED POLICE en 1946 avec les mêmes personnages). Droopy est un personnage typique de l’univers d’Avery, d’abord parce qu’il a conscience d’être un personnage et s’adresse directement au spectateur et puis parce que tout est affaire de rythme chez lui. Dans un monde et un médium où règne la vitesse et le mouvement permanent, il introduit la lenteur (qui contraste avec l’énergie du Loup en fuite permanente, opposition burlesque classique) et la désorientation (où que le Loup aille, Droppy y apparait comme par magie, sans qu’on sache comment il a pu arriver là).

Délirante parodie de western, THE SHOOTING OF DAN MC GOO est un des chefs d’œuvres de Tex Avery et un des ses plus représentatifs. Les codes et les clichés du genre westernien sont tous là: la petite ville, le saloon et son pianiste, les fusillades, les pendaisons, le duel, le panneau à l’entrée de la ville indique le nombre d’habitants qui fluctue au rythme des coups de feu, il y a même le croque mort qui répond au doux nom de Rig. R.Mortis ! Le justicier Dan McGoo, le héros, c’est en fait notre bon vieux Droopy, toujours aussi flegmatique, qui va s’opposer au Loup, renégat qui débarque de manière tonitruante dans une voiture à la taille particulièrement impressionnante (un gag qui sera repris presque tel quel par le vidéaste Chris Cunningham dans son clip pour le WINDOWLICKER d’Aphex Twin en 1999).

Comme dans beaucoup d’autres de ses films (et particulièrement dans SYMPHONY IN SLANG en 1951) certains gags consistent à prendre des expressions du langage courant au pied de la lettre, le méchant tueur s’avançant littéralement ici avec « un pied dans la tombe » à la place de sa botte. Le duel entre Droopy et le Loup est vite interrompu par l’irruption d’une sublime jeune femme, Lou, qui comme dans RED HOT RIDING HOOD nous gratifie d’un numéro musical qui ne laissera personne indifférant. C’est un vrai feu d’artifice, un peu une sorte de best of de tout ce que Tex Avery avait fait jusque là.

KING-SIZE CANARY (1947)

Dans les cartoons, les personnages sont souvent réduits à des pulsions primaires, la faim ayant été fréquemment utilisée comme moteur, Avery en ayant donné une illustration particulièrement grinçante dans WHAT’S BUZZIN BUZZARD en 1943 où deux vautours affamés finissaient par envisager la possibilité de se dévorer l’un l’autre, ce sommet d’humour noir ayant été peu apprécié par le patron du studio, Fred Quimby. KING-SIZE CANARY peut être vu comme la réponse d’Avery à la série vedette de la firme, TOM & JERRY et en général à tous les cartoons où un animal plus ou moins affamé en chasse un autre comme TITI & GROSMINET crée en 1942 par Friz Freleng et Bob Clampett et qui annonce évidemment BIP BIP ET COYOTE, chef d’œuvre absolu du genre conçu par Chuck Jones en 1949.

Le burlesque fonctionnant sur l’exagération et sur l’opposition des contraires, Tex Avery, dans son entreprise constante d’inversion des valeurs, a souvent confronté non seulement la vitesse à la lenteur mais aussi la grandeur à la petitesse. Beaucoup de ces films explorent les potentialités comiques de l’infiniment petit, la petite souris terrifiant le lion dans SLAP HAPPY LION (1947), mais aussi les pygmées, les lutins ou surtout les puces dans WHAT PRICE FLEADOM (1948) et dans THE FLEA CIRCUS (1954) qui sont parmi les plus adorables cartoons d’Avery.

Evidemment quand les pulsions sont exprimées avec autant d’intensité, le corps est soumis aux plus improbables transformations et ici par une astuce géniale (une bouteille d’engrais qui ne fait pas grandir que les plantes mais aussi tous ceux qui pourraient en boire) Avery repousse toujours plus loin les limites du gigantisme. Des lors, la banale course poursuite réunissant les personnages habituels de ce genre de cartoon (la chat de gouttière, le petit oiseau, la souris, le gros molosse) prend des proportions hallucinantes, la maison puis la ville puis le monde entier devenant un vaste terrain de jeu (comme dans les films de monstres, quelque part entre KING KONG et GODZILLA) tandis que les rapports de force s’inversent constamment, le canari écrasant le chat, la souris terrifiant le chien et ainsi de suite. Outrance, vitesse, saturation: le concept est poussé jusqu’à l’épuisement et ce sont les personnages eux mêmes qui ne pouvant aller plus haut et plus loin mettront fin au film.

THE CAT THAT HATED PEOPLE (1949)

C’est l’un des chefs d’œuvres de Tex Avery et sans doute mon préféré, un de ses films les plus délirants et les plus surréalistes. Déjà il y a le personnage génial du chat misanthrope qui vient nous expliquer pourquoi il déteste tout le monde et qui passe la première partie du film à se faire maltraiter: c’est un vrai déchainement de violence et de cruauté gratuite, le pauvre matou se prend des coups de balai, de poêle de frire, de hache, se fait tirer dessus à coups de fusil de chasse, est brisé en mille morceaux, piétiné, écorché vif, se fait torturer par des enfants et même par un adorable bébé. Dans un de ces gags qui consiste à condenser une action longue sur une durée ultra-courte, le moment où le chien de la famille tente de faire croire à ses maitres que le chat a essayé de l’assassiner est un sommet.

Définitivement désespéré, le chat décide de fuir et fait appel à une sorte de compagnie touristique qui propose des voyages dans l’espace. Il se retrouve alors sur la Lune au milieu d’un paysage désertique. « Plus de gens ! Plus de bruit ! Plus rien ! » se réjouit-il alors. Mais très vite, un vrai vacarme vient déranger sa tranquillité et des lors ce n’est pas, comme on pourrait s’y entendre, une cohorte d’extraterrestres fantaisistes comme dans les films de science fiction de série B qui débarque, mais une armée d’étranges créatures issues d’un univers où les objets du quotidien et les inventions du monde moderne ont pris vie et se retournent contre le seul être vivant qui est à leur disposition, ce chat qui n’en demandait pas tant.

Tex Avery repousse ici les limites d’un cinéma d’animation communément basé sur l’anthropomorphisme: car puisqu’on peut humaniser les animaux, éventuellement même les machines, pourquoi ne pas transformer aussi les objets en personnages qui, réduits à leur fonctionnalité la plus mécanique et répétitive, semblent être devenus fous: le pneu de bagnole, le marteau, le rouge à lèvres, la paire de ciseaux, le taille crayon et j’en passe. Le dénouement est d’un cynisme total: le chat préfère fuir ce monde de fou pour retourner sur Terre, ce monde soi-disant civilisé (« This good old U.S.A !« ) où comme c’est souvent le cas dans les cartoons dont les personnages principaux sont des animaux, les humains sont réduits à des silhouettes dont on ne voit pas les visages, ici une horde de passants dans une rue qui marchent comme des robots, piétinant en toute indifférence le chat qui, cette fois-ci, accepte son sort, faute de mieux.  

MAGICAL MAESTRO (1952)

MAGICAL MAESTRO est l’un des films les plus aboutis de la veine musicale de l’œuvre de Tex Avery qu’on retrouve des ses tout premiers films de la période Warner comme PAGE MISS GLORY et I’D LOVE TO SINGA, tous les deux réalisés en 1936, le premier comportant de nombreux passages musicaux, le deuxième étant un hommage au CHANTEUR DE JAZZ (1927) avec Al Jolson. MAGICAL MAESTRO repose sur une seule idée: par vengeance, un magicien raté prend la place du chef d’orchestre pendant un récital d’opéra et va avec sa baguette (magique) perturber la représentation et la performance du chanteur Poochini qui doit livrer une interprétation du célébrissime Air de Figaro tiré de l’Acte 1 du BARBIER DE SEVILLE de Rossini (encore lui !). Un choix musical évident tant on sait que ce morceau est fameux par son tempo extrêmement soutenu qui favorise la rapidité et la virtuosité dans l’exécution.

Au rythme du morceau répond les transformations incongrues que fait subir le magicien à Poochini qui se retrouve soudain sur scène en tutu puis déguisé en chef indien, en joueur de tennis ou en bagnard. Tout le film est aussi rythmé par les apparitions et disparitions de lapins (ces lapins que tout magicien qui se respecte doit pouvoir faire sortir de son chapeau) et qui constituent un running gag très efficace. Mais le délire monte d’un cran quand à la manière d’un véritable mash up musical, le chanteur est forcé sans crier gare de littéralement changer de disque, se transformant en cowboy pour interpréter un standard de la ballade folk traditionnelle OH MY DARLING, CLEMENTINE (qui donna son titre original à LA POURSUITE INFERNALE, le western de John Ford) ou régressant au stade infantile pour brailler une comptine pour enfant et aussi en imitant la chanteuse brésilienne Carmen Miranda sur la chanson MAMAE EU QUERO.

Evidemment, malgré tous les accidents, Poochini continue de chanter, toujours plus vite et ne s’interrompra qu’une seule fois et c’est sans doute là l’un des gags les plus géniaux de toute la filmo de Tex Avery: au bout de 3 minutes 50 de film, un cheveu apparait à l’image, en effet, il se pouvait dans les projecteurs de cinéma qu’un cheveu vienne se glisser entre la pellicule et la lentille qui, grossi à la taille de l’écran, devenait la phobie des projectionnistes. Le cheveu se balade donc  à l’écran pendant une bonne trentaine de secondes (on ne peut pas ne pas le remarquer) jusqu’à que Poochini s’arrête de chanter et vienne lui-même arracher le cheveu pour le balancer en dehors du cadre. Ou quand la folie du gag excède les limites de l’écran pour aller jusque dans la cabine de projection. 

La BO du jour : ELYSIAN FIELDS – Red Riding Hood

une autre relecture de la confrontation entre le Loup et le Chaperon Rouge, tout aussi torride que chez Tex Avery