Encyclopegeek : Les films d’horreur produits par le studio Hammer en dehors de la série des Dracula et de celle des Frankenstein

Par : TORNADO

1ère publication le 26/10/17 – MAJ le 29/03/20

On en fait même plusieurs logos…

Cet article portera sur certains films d’horreur produits par le studio Hammer entre 1959 et 1971, qui n’entrent pas dans la catégorie de la série des Dracula & autres vampires et des Frankenstein.
Il est ainsi complémentaire de l’article historique de Patrick Faivre , ainsi que de deux autres venant explorer d’abord Frankenstein , ensuite les divers vampires du bestiaire de la Hammer.
La liste n’est pas exhaustive et plusieurs films manqueront à l’appel, mais les principaux classiques ne seront pas oubliés.

Il y a quinze films au programme :
La Malédiction des Pharaons – 1959
Les Deux Visages du Dr Jeckyll – 1960
La Nuit du Loup-Garou – 1961
Le Fantôme de l’Opéra – 1962
Les Maléfices de la Momie – 1964
La Gorgone – 1964
L’Invasion des Morts-Vivants – 1966
Raspoutine le Moine Fou – 1966
Les Sorcières – 1966
La Femme Reptile – 1966
Dans les Griffes de la Momie – 1967
Les Vierges de Satan – 1968
Dr Jekyll & Sister Hyde – 1971
La Momie Sanglante – 1971
La Fille de Jack L’Eventreur – 1971

La première partie de l’article (films 1 à 6) est disponible ici.

Zombie time !

L’Invasion des Morts-Vivants – 1966

John Gilling réalise L’invasion des Morts-Vivants (The Plague of the Zombies) en 1966. Il forme, avec La Femme-Reptile et Dans les Griffes de la Momie, une sorte de trilogie thématique associant l’horreur gothique avec le folklore exotique, sous la houlette du même réalisateur, à laquelle on pourra également ajouter Gorgone, Déesse de la Terreur de Terence Fisher, puisque John Gilling en écrivait le scénario, illustrant déjà le même thème.

Le pitch : Au XIX° siècle, dans un petit village de Cornouailles, des gens meurent dans d’étranges circonstances. Le professeur Forbes se rend sur les lieux afin de venir en aide à son ancien élève, qui tente de percer le mystère. Très vite, ses soupçons l’orientent vers le châtelain du coin, dont l’attitude méprisable attire son attention au moins autant que son passé trouble sur l’archipel d’Haïti, où plane le culte du vaudou. Lorsque certains habitants jurent avoir vu leurs proches revenir d’outre-tombe sous la forme de morts-vivants, les soupçons ne font que s’accentuer…

Après avoir éclusé le terrain des grandes figures du bestiaire de la Universal , le studio Hammer élargit ses références avec le mythe du zombie, autrefois mis en scène dans Les Morts-Vivants (White Zombie) en 1932 (avec Béla Lugosi) ou dans Vaudou (I Walked With A Zombie), le chef d’œuvre de Jaques Tourneur réalisé en 1943.
L’invasion des Morts-Vivants reprend d’ailleurs le thème du vaudou tel que dans les premiers films du genre, à la différence que le culte est ici déplacé vers la vieille Europe, dans un cadre gothique à même de réinterpréter le genre. Trois ans plus tard, le réalisateur George A. Romero s’emparera du mythe et le débarrassera complètement de ses oripeaux vaudous à l’occasion de La Nuit des Morts-Vivants, initiant toute une série de films personnels sur le sujet, tout en le transposant dans sa version moderne, en forme de cadavre ambulant autonome, apocalyptique et anthropophage…

Ils sont beaux, ils sont frais mes zombies !

Comme c’était le cas dans Gorgone, Déesse de la Terreur et comme ce le sera également dans les deux autres films de John Gilling, le script de L’invasion des Morts-Vivants opère une savoureuse métaphore en déplaçant les mythes exotiques vers l’Empire britannique. Où quand le colonialisme donne lieu à un sévère retour de bâton ! Ainsi, les habitants de cette région reculée de l’Angleterre doivent subir ces retombées lorsque le mal, venu d’un pays lointain, sonne comme une malédiction causée par cette volonté impérialiste de coloniser le monde.

Mais à cette première toile de fond va également venir s’en substituer une seconde : Fidèle aux thèmes de prédilection de la Hammer, John Gilling n’oublie pas que le « monstre » incarne, dès que c’est possible, le riche aristocrate exerçant l’ascendance de son pouvoir sur le pauvre peuple. Le film s’inscrit donc parfaitement dans cette dernière thématique lorsque l’on découvre que les zombies sont en réalité d’anciens mineurs ayant déserté leur épouvantable chantier, que le châtelain leur impose désormais de retrouver après la mort ! Le peuple, zombifié, obéit désormais à son maitre, l’aristocrate impitoyable, qui n’hésite pas à faire fonctionner son industrie sur la mort de ses pauvres ouailles…

Pour le reste, la réalisation est impeccable et le film bénéficie de quelques séquences-choc encore impressionnantes aujourd’hui, comme le superbe passage onirique du vieux cimetière, où l’on voit une poignée de zombies sortir de terre. Une scène culte, qui influencera autant le cinéma de George Romero que celui de John Landis, qui réalisera le clip Thriller pour Michael Jackson. Certains effets sont désormais très kitsch (notamment ces plans de nuit filmés en plein jour !) mais, au détour de quelques images, il convient d’avouer que le maquillage d’un zombie sur deux est saisissant et que le décor gothique des Cornouailles à de la gueule. D’ailleurs, John Gilling et son équipe reviendront la même année sur le tournage de La Femme-Reptile avec exactement la même toile de fond, les mêmes décors et quasiment le même casting…

La bête humaine…

Raspoutine le Moine Fou – 1966

Don Sharp réalise Raspoutine, le Moine Fou (Rasputin, the Mad Monk) en 1966. Produit dans la foulée de Dracula, Prince des Ténèbres, le studio décida, afin de réduire les coûts, d’en reprendre le casting (soit les quatre acteurs principaux, à savoir Christopher Lee, Barbara Shelley, Francis Matthews et Suzan Farmer), ainsi que les décors.

Le pitch : Grigori Raspoutine, un moine en complet burn-out, semble décidé à jouir des plaisirs de la vie, en particulier en goûtant aux femmes et à l’alcool. Il use pour cela de ses dons magnétiques, qui lui permettent de guérir par apposition des mains et d’hypnotiser qui bon lui semble, afin de parvenir à ses objectifs. Bientôt, il envisage de se faire connaitre à la cour du Tsar de Russie, espérant ainsi gravir les échelons du pouvoir…

Si vous êtes venu chercher un film historique, vous avez fait fausse route car le script ne s’embarrasse d’aucune velléité de retranscrire la vie réelle du sieur Raspoutine ni de l’histoire de la Russie. Il s’agit donc avant tout d’une fiction aux accents gothiques (Hammer oblige), dont l’idée première consiste à faire de la figure mythique du « moine fou » une sorte de démon à forme humaine, pimentant ainsi le film d’un soupçon d’horreur et de fantastique en l’affublant d’un pouvoir et d’une résistance physique quasi-surnaturels.

Raspoutine : Il guérit, il festoie et il trousse…

L’idée principale du film est de confier le rôle-titre à Christopher Lee qui fait preuve d’un charisme assez impressionnant en géant hirsute, mettant le monde à genou grâce à une énergie effervescente et un insondable regard de braise. Après avoir tenu un rôle complètement mutique sur Dracula, Prince des Ténèbres, il surprend ainsi le public en cabotinant dans un rôle à contre-emploi, affirmant une fois de plus l’étendue de son jeu.

Si le film est assez réussi dans sa première moitié, portée par le charisme malveillant du personnage et le charme de l’ambiance made in Hammer, il souffre d’une seconde partie qui s’étire à force de ne plus savoir quoi nous raconter, tout ayant été dit auparavant, jusqu’à la sentence finale, le démon humain devant trouver la mort après moult méfaits infâmes et choquants.
Dans la même logique, la réalisation souffre de son manque de moyens car, si le début se déroule dans un village et des forêts pouvant créer l’illusion d’une Russie d’époque, il n’en va pas de même lors des scènes sensées se passer à St Petersburg où, faute de ne pouvoir filmer la ville, le réalisateur Don Sharp doit se contenter de maigres décors d’intérieur recyclés depuis le château de Dracula (ou de Frankenstein) sur les autres films du studio !

Reste un film atypique au sein de la Hammer, où l’on peut apprécier une réelle volonté de varier les sujets sur le thème de l’horreur gothique, en même temps qu’une belle tentative d’imaginer une histoire entièrement basée sur une figure de méchant qui, même s’il flirte avec le surnaturel, demeure irrémédiablement… humain.

Une grande actrice hollywoodienne à la Hammer ?

Les Sorcières – 1966

Les Sorcières (The Witches), anciennement connu chez nous sous le titre « Pacte Avec le Diable », est réalisé en 1966 par Cyril Frankel. C’est un film un peu à part au sein de la Hammer car il a été initié par l’actrice Joan Fontaine, qui produisit en partie le projet, espérant relancer sa carrière. Le film ne connut pas le succès et fut ainsi le dernier de cette grande actrice hollywoodienne.

Le pitch : Gwen Mayfield est une institutrice au passé trouble, qui a fui l’Afrique où elle avait été victime de la sorcellerie locale. Arrivée en Cornouailles, elle accepte un nouveau poste d’institutrice dans un petit village mais, très vite, elle remarque que certains de ses élèves sont victimes de la pudibonderie de leurs ainés. Et si cette attitude apparemment conservatrice était une illusion, derrière laquelle sa cachait une terrible vérité, à même de réveiller chez notre préceptrice ses douloureux souvenirs ?

Et si l’horreur se cachait derrière le visage de l’intégrité ?

Beaucoup plus réaliste, « sérieux » et grave que les habituels récits gothiques ressuscitant sans cesse les grandes figures du genre fantastique tels Dracula et autres Frankenstein, le film de Cyril Frankel semble vouloir suivre les traces du grand Alfred Hitchcock et évoque parfois l’ambiance sourde et lancinante des Oiseaux, tout en annonçant le Fantastique quasiment naturaliste de l’étonnant The Wicker Man (traduit un temps par le croquignol « Dieu d’Osier » dans l’Hexagone) de Robin Hardy, réalisé en 1973.
Mais n’est pas Hitchcock qui veut, et Les Sorcières souffre néanmoins d’un rythme hiératique et d’une propension à la parlotte qui plombe facilement la moitié du métrage. On pense alors à un autre film de la Hammer datant de 1959 : The Man Who Could Cheat Death (que j’ai choisi de ne pas ajouter à la liste), réalisé par Terence Fisher, qui souffrait des mêmes carences de relief et de rythme.

Au final, Les Sorcières et son Angleterre de l’ombre propice à multiplier les couches de moisissure sociale sous le vernis surnaturel de la sorcellerie et les nuits de Sabbat est un film qui ne manque pas de qualité de fond, mais qui demeure trop bavard et indolent. Il ne mérite toutefois pas sa mauvaise réputation et appelle au contraire à être redécouvert, ne serait-ce que pour cette approche très sérieuse du genre, qui marque une rupture au sein de la production fantastique de son époque.

La femme serpent-garou !

La Femme Reptile – 1966

La Femme Reptile (The Reptile) est réalisé en 1966 par John Gilling et, comme le titre français le laisse imaginer, il s’agit d’une étonnante déclinaison du mythe du loup-garou, transposé au royaume des serpents !

Le pitch : De retour d’un long voyage en Inde, un vieux docteur vit reclus dans son château dans une région reculée des Cornouailles en compagnie de sa fille. Autour d’eux, les habitants sont les victimes d’un abominable monstre, qui les empoisonne la nuit par une morsure au cou. Le châtelain et sa fille seraient-ils eux-mêmes les victimes d’une malédiction ? C’est ce que vont essayer de découvrir les époux Spalding, qui viennent d’hériter d’un cottage sur la lande voisine…

Nous l’avons vu plus haut : les films de John Gilling sont reliés par des thématiques récurrentes et une mise en forme plastique étonnamment cohérente, notamment dans cette période où le réalisateur opère pour le cinéma horrifique.
Comme il l’avait déjà développé avec L’Invasion des Morts-Vivants, John Gilling réitère dans la parabole sociale en inversant cette fois son propos. Si le peuple était victime d’une caste dirigeante à vocation industrielle dans le film précédent, c’est au tour de la bourgeoisie de subir les affres des populations indigènes dans un retour de bâton opéré depuis les colonies. La malédiction prenant sa source depuis les profondeurs de l’Inde…

D’un point de vue plastique, Gilling se démarque de Fisher par une palette de couleurs complètement différente. Si le décor reste celui de la plus-part des films du studio (lande brumeuse et château en ombres portées sous le clair de lune), les teintes se parent d’un camaïeu de gris colorés aux dominantes brunes et vertes qui s’oppose aux couleurs vives des films de Fisher, où dominent le rouge, le vert, le mauve et le lilas. Il suffit de comparer La Femme Reptile à Gorgone, Déesse de la Terreur pour s’apercevoir du traitement distinct des deux cinéastes sur exactement le même sujet égrainé sur deux films de la même période au sein du même studio, quand bien même le deuxième est réalisé par Terence Fisher sur un scénario de John Gilling !

A l’arrivée, La Femme Reptile et sa toile de fond doublée d’une vision mythologique de la virginité pervertie par le mal (où quand la femme blessée se fait monstrueuse sous l’aspect de l’animal l’ayant jadis corrompue dans le jardin d’Eden !) s’impose néanmoins comme un grand classique du cinéma d’horreur et comme une pièce maitresse du studio Hammer.

Encore elle !!!

Dans les Griffes de la Momie – 1967

C’est encore John Gilling qui réalise Dans les Griffes de la Momie (The Mummy’s Shroud) en 1967. Tous comme les autres films de momie produits par le Studio, il ne s’agit pas de la suite des précédents.

Dans les Griffes de la Momie joue (encore) les « variations sur un thème imposé » en reprenant la même structure que les autres films du cycle : Des scientifiques britanniques profanent un tombeau. Ils ramènent le sarcophage à la civilisation pour l’exposer dans un musée. C’est alors que la momie se réveille afin de punir les profanateurs…
Et l’on fait toujours référence, en situant les événements autour de 1920, à la découverte du tombeau de Toutankhamon et à la malédiction qui semblait à l’époque s’être abattue sur les membres de l’expédition.

La seule différence qui intervient ici par rapport aux deux films précédents est que toute l’action se situe en Egypte. Ce faisant, le film met l’accent sur le folklore de cette Egypte mythique et marche sur les traces des pulps et des récits d’aventures classiques, voire des célèbres Aventures de Tintin ou de Blake & Mortimer …

Un spectacle vintage…

John Gilling ajoute une pierre à son édifice même s’il réalise ici son film le plus superficiel, dans lequel on ne retrouve pas, de manière aussi vive, le sous-texte qui apportait beaucoup d’épaisseur à ses autres métrages.
Avec un sujet dédié au mythe de la momie vivante, Gilling opère une prolongation du thème qu’il avait traité avec La Femme Reptile et avec Gorgone, Déesse de la Terreur, mais sur un mode beaucoup plus secondaire, presque anecdotique, le sous-texte en la matière demeurant beaucoup trop discret.

Dans les Griffes de la Momie est donc une énième variation sur le thème de la malédiction des pharaons et de la momie vivante. Un film relativement mineur, gentiment divertissant mais aussi très kitsch (la momie, avec son costume où l’on verrait presque la fermeture-éclair, est assez croquignole !). A réserver aux fans de la Hammer, qui trouveront ici un bon petit classique, un peu avare de surprises, mais généreux dès lors qu’il s’agit de mettre en œuvre cette imagerie consacrée, propre au studio et à ses relectures des grands mythes horrifiques sous les feux du technicolor…

Tête de bouc et pentagrammes…

Les Vierges de Satan – 1968

Réalisé par Terence Fisher en 1968, Les Vierges de Satan (The Devil Rides Out) s’écarte un peu de l’habituel folklore littéraire gothique de la Hammer en explorant une autre forme d’épouvante : La démonologie…

Le pitch : Dans l’Angleterre des années 1920, le jeune Simon Aron est endoctriné dans la secte satanique du démoniaque Mocata. Mais son tuteur, le duc de Richleau, connait bien ce type de rituel. Ainsi commence la lutte du bien contre le mal…

Tout comme la plus-part des films d’horreur de son époque, Les Vierges de Satan souffre à présent du poids de l’âge et sa dimension effrayante a disparu au détriment d’une mise en scène très kitsch, parasitée par tous les clichés aujourd’hui surannés de la lutte du bien, symbolisé par le crucifix, contre le mal, ici incarné dans sa forme ultime par un homme à tête de bouc !
Un certain nombre de séquences prêtent désormais à rire davantage qu’à frissonner, notamment lors des manifestations sataniques. Les effets spéciaux ont beau être sobres, ils n’en sont pas moins obsolètes.

…ou pentagrammes et tête de bouc…

Pourtant, le script, écrit par Richard Matheson en personne, est un modèle du genre. Surtout que les films sur le thème de la démonologie de sont pas légions, et encore moins à l’époque.
Le scénario décrit avec un sérieux sans faille cette plongée dans le domaine du mal. Chaque irruption d’un phénomène surnaturel est consciencieusement montrée, expliquée, commentée par les personnages dont on met en scène toutes les répercussions psychologiques. A l’arrivée, le film est peut-être aujourd’hui très kitsch, mais il n’en demeure pas moins superbement écrit.
C’est peut-être là le seul défaut de l’entreprise : Un sérieux constant qui se heurte aujourd’hui à des images peu crédibles…

La mise en scène, très dépouillée, met néanmoins parfaitement en valeur la plastique de cette Angleterre facilement sujette aux superstitions les plus diverses, avec ses forêts décharnées et ses grandes maisons victoriennes. La reconstitution historique, avec ses voitures du début de siècle, est également réalisée avec le plus grand soin, et aucun détail n’est oublié sur la science de la démonologie en matière de folklore !

Il nous appartient donc d’apprendre à remettre le film dans son contexte, afin de dépasser le côté vieillot de sa mise en forme pour mieux en apprécier ses qualités conceptuelles.
Une fois n’est pas coutume, l’acteur Christopher Lee incarne ici le bien, puisqu’il se dresse contre le maléfique « Mocata », interprété par Charles Gray, acteur so-british doué d’un charisme à toute épreuve, notamment célèbre pour avoir interprété le terrible Blofeld dans le James Bond Les Diamants sont Eternels…

Du Drag-queen au sens littéral…

Dr Jekyll & Sister Hyde – 1971

Dr Jekyll & Sister Hyde est réalisé en 1971 par Roy Ward Baker. Comme son titre l’indique, il s’agit d’une relecture originale du célèbre roman de Robert Louis Stevenson…

Dans cette nouvelle version du mythe, le Dr Jekyll (interprété par Ralph Bates, que l’on avait déjà vu en baron Frankenstein dans The Horror of Frankenstein l’année précédente) se transforme, non pas en un horrible psychopathe, mais en une très belle jeune femme psychopathe !
Le scénario pousse d’ailleurs le concept plus loin encore en faisant de cette « Sister Hyde » le fameux Jack l’Eventreur et utilise même les services des odieux « Burke & Hare », les fameux déterreurs de cadavres qui défrayèrent la chronique (bien que ce fut en réalité 50 ans avant les meurtres de Whitechapel), et dont l’histoire nous a maintes fois été contée au cinéma, notamment dans l’excellent L’impasse aux violences, réalisé en 1959 par John Gilling, avec Peter Cushing et Donald Pleasence dans les rôles principaux.
Bref, un véritable crossover de thèmes horrifiques, qui culminent dans un film qui représente quasiment à lui-seul le chant du Cygne de la Hammer !

Le réalisateur confondrait-il les genres ?

Ce début des années 70, s’il annonce le déclin de la firme britannique qui s’enlise sous les suites de la série des Dracula avec Christopher Lee, marque néanmoins une volonté prononcée de la part du studio de mettre l’accélérateur sur la dimension érotique qui ne demandait qu’à fleurir au dessus de tous ces thèmes fantastiques.
Mais Dr Jekyll & Sister Hyde n’aurait pu être qu’un produit formaté de plus s’il n’avait pas bénéficié de la réunion de quelques talents authentiques. Ainsi, s’il s’agit du chef d’œuvre de Roy Ward Baker (excellent petit maitre du cinéma fantastique qui aura offert à la Hammer l’un de ses meilleurs Dracula avec Les Cicatrices de Dracula , ainsi que l’un de ses plus beaux films de vampires avec le somptueux Vampire Lovers  sans doute la meilleure adaptation du roman Carmilla de Joseph Sheridan LeFanu), le film est également écrit par Brian Clemens, le créateur de la série Chapeau Melon et Bottes de Cuir. Enfin, il est également porté par l’interprétation habitée de Ralph Bates, qui trouve ici le plus beau rôle de sa carrière-éclair, ainsi que par celle de Martine Beswick, une autre actrice au parcours laconique, capable d’exhaler un charisme rare, incandescent, sans quasiment prononcer un mot !

https://www.youtube.com/watch?v=G92UZ_NDcbc
Quand Jekyll commence à apprivoiser (et à jouir de) sa féminité…

Passionnant et dérageant de bout en bout, le film est aussi réussi dans la mise en scène que dans le script. Ce dernier est d’une richesse sans pareille et l’on ne compte plus les thèmes qui jalonnent cette idée au départ saugrenue quant au fait que Jeckyll se transforme en femme. C’est ainsi que la guerre des sexes se joue ici dans le même corps, les deux versants de la personnalité du docteur luttant pour la suprématie de la chair et de l’esprit ! Et tout le sous-texte de se déverser à l’envie, avec l’homosexualité refoulée, la transsexualité et l’émancipation féminine en tête de liste. C’est d’ailleurs ce dernier thème qui justifie le glissement de l’univers du roman de Stevenson vers les événements de Whitechapel, puisque Sister Hyde, totalement émancipée des principes timorés de son alter-égo masculin, n’hésitera pas à assassiner une tripotée de jeunes femmes afin de leur dérober leurs organes génitaux. Une opération doublement symbolique puisque, si elle permet au Docteur de trouver là les hormones féminins nécessaires à sa potion magique (ou comment lui imposer sa dépendance au beau sexe), elle accélère l’évolution de Sister Hyde par sa volonté de prendre le dessus dans la lutte des sexes en s’appropriant, au sens propre, l’essence de la féminité !

Roy Ward Baker, quant à lui, fait montre de son habituel savoir-faire en additionnant un nombre époustouflant de plans proprement géniaux, notamment lorsqu’il se concentre sur les jeux de miroirs, qui fonctionnent autant dans le symbole qu’ils permettent d’illustrer toute une série d’affrontements psychologiques au sein d’un même personnage, ici bien évidemment dédoublé.
Un très grand film. Le second, au sein de la Hammer, dédié au mythe de Mr Hyde après Les Deux Visages du Dr Jekyll (réalisé en 1961 par Terence Fisher). Ces deux fleurons du cinéma horrifique demeurent d’ailleurs, avec le génial Docteur Jerry & Mister Love de Jerry Lewis, les plus belles relectures du mythe dans l’optique d’offrir aux spectateurs, non pas une adaptation fidèle de l’œuvre de Stevenson, mais au contraire une extrapolation moderne et intelligente effectuée sur le même sujet.

Une momie extrêmement bien conservée…

La Momie Sanglante – 1971

La Momie Sanglante (Blood From the Mummy’s Tomb) est réalisé par Seth Holt en 1971.
C’est le dernier segment du cycle dédié à la figure de la momie. Rappelons une dernière fois qu’aucun film n’est la suite des précédents et que chacun peut se regarder de manière autonome.

Le pitch : La jeune Margaret Fuchs souffre d’un mal pour le moins particulier : Chaque nuit, elle rêve qu’elle est une princesse égyptienne de l’antiquité, que l’on condamne à être enterrée vivante, après qu’on lui ait tranché la main droite !
La main est jetée en pâture aux chacals. Mais, demeurée vivante, la main met en fuite les charognards, avant de retourner égorger les prêtres assassins !
De nos jours, Margaret, qui est la fille d’un grand égyptologue, se voit offrir par son père à l’occasion de son anniversaire une bague ancienne ornée d’un magnifique rubis. Sans le savoir, Margaret vient de sceller son lien avec la princesse Teira, dont le tombeau a été profané par son père il y a de cela bien des années…

Contrairement aux trois films précédents, qui égrainaient la même histoire basée sur la malédiction du pharaon et les événements survenus à la suite de la découverte du tombeau de Toutankhamon, celui-ci opère un sérieux virage et propose enfin une interprétation nouvelle sur le thème consacré.
Point de monstre en bandelettes ici, mais à la place la présence de la somptueuse Valerie Leon, qui incarne les deux faces de la malédiction et illumine le film de sa plastique et de son poitrail stupéfiant.
Ainsi, la momie en question n’est-elle pas un vieux cadavre ressuscité et décrépit, mais bel et bien une princesse non-morte, qui tente depuis la tombe de se réincarner dans une sorte d’itération d’elle-même, grâce à un pouvoir maléfique dont elle possède seule le secret.
Le plan final, sarcastique en diable, illustrera néanmoins, au dernier moment, le thème de la momie de manière surprenante…

Hey ! Je veux une momie comme ça pour Noël !

Plus sanglant qu’à l’accoutumée (d’où le titre), le film de Seth Holt ne nous prive jamais de la splendeur de son actrice dès que l’occasion se présente, et l’on peut ainsi deviner son opulente poitrine aussi bien sur le corps non-mort de la princesse prisonnière de son sarcophage que sur celui de sa réincarnation en attente, qui déambule tout du long en nuisette translucide.
Pour le reste, le scénario est un poil répétitif sur l’idée de la malédiction (ici déclinée sous la forme de quelques artefacts sortis tout droit de l’antique Egypte), mais s’autorise quelques scènes oniriques et surréalistes assez étonnantes qui procurent au film une ambiance envoûtante, masquant aisément son manque de budget initial.

Comme d’habitude avec les films de la Hammer, celui-ci est plastiquement superbe et bénéficie d’une mise en forme impeccable, ponctuée de flashbacks égyptiens qui parviennent à tirer le meilleur parti de leurs décors de studio.
1971 est l’époque où le studio britannique spécialisé dans l’horreur gothique commence à racoler en pimentant chacun de ses films d’une touche érotique et d’un surplus de scènes horrifiques. Les gorges tranchées s’accumulent ainsi entre deux plans de la magnifique Valérie qui, rien que pour nos yeux, constituent au final l’essentiel d’un solide petit film gothique au carrefour des grands classiques du cinéma fantastique et des films d’horreurs modernes, où le visuel l’emporte souvent sur la suggestion et l’atmosphère. On dira donc de La Momie Sanglante qu’il est un peu tout cela à la fois.

Pour ce qui est des coulisses, le grand Peter Cushing devait incarner le père de l’héroïne (tout naturellement tant le rôle semble avoir été taillé pour lui). Il sera remplacé au dernier moment par Andrew Keir car Mme Cushing, très malade, était sur le point de mourir.
Quant au réalisateur Seth Holt, il décéda lui aussi quelques jours avant la fin du tournage, et fut remplacé au pied levé par Michael Carrerras, producteur du studio qui avait déjà réalisé Les Maléfices de la Momie en 1964.

Comme un air de famille…

La Fille de Jack L’Eventreur – 1971

La Fille de Jack l’Eventreur (Hands of the Ripper) est réalisé par Peter Sasdy en 1971.

Le pitch : Au soir de son dernier meurtre, Jack l’Eventreur se réfugie chez lui pour échapper à la police de Whitechapel. Il y retrouve son épouse et leur petite fille Anna, âgée de quatre ans. Voyant le sang qui ruisselle sur les mains de son mari, sa femme comprend qu’il est l’éventreur et se met à hurler. Ce dernier assassine ainsi son épouse sous les yeux de leur enfant, avant de dévoiler ses yeux de fou…
Des années plus tard, Anna est abusée par une vieille arnaqueuse qui s’adonne à de fausses séances de spiritisme afin de profiter des richesses de la bourgeoisie. Ayant jeté Anna en pâture à un aristocrate sans scrupule, elle réveille alors l’ancien traumatisme de la jeune femme, qui s’empresse de l’éventrer comme l’aurait fait son père !
Le Dr Pritchard, qui vient d’assister à la séance de spiritisme, est témoins du meurtre. Plutôt que de tout avouer à la police, il choisit d’amener Anna avec lui et d’en faire sa protégée. Adepte des théories d’un certain Sigmund Freud, Pritchard voit ainsi l’occasion d’approfondir ses recherches sur la psychologie des assassins…

La Fille de Jack l’Eventreur fait également partie de cette dernière série de film gothiques de la Hammer, où l’on revisite les mythes consacrés tout en mettant en avant l’image érotique de la femme fatale.

Anna : Une innocente qui est coupable…

En revoyant la chose aujourd’hui, on s’étonne de la noirceur de son propos et de la glaçante austérité de sa mise en forme. Du début à la fin, le film de Peter Sasdy (qui nous avait livré l’un des plus faibles segments de la série des Dracula avec le tordant Une Messe pour Dracula et qui réalisera Comtesse Dracula dans la foulée) s’enfonce dans une descente aux enfers glauque et malsaine, renforcée par une image naturaliste aux antipodes du fameux technicolor flamboyant jadis mis en avant dans les productions Hammer.
Irrémédiablement damnée, la jeune Anna (interprétée par une Angharad Rees qui exhale une innocence extraordinaire lorsqu’elle n’est pas possédée par son ascendance maléfique) nous emmène dans les tréfonds de la mort, en même temps qu’elle annonce la chute de son protecteur, dont l’attirance charnelle à destination de la jeune femme devient également de plus en plus malsaine au fil du récit.

Si le poids de l’âge de fait ressentir lors de quelques scènes surjouées (notamment lors des déambulations dans les rues sombres de Whitechapel) et sur les effets gores (avec le fameux sang fluorescent de l’époque), on ne peut nier que le film exhale encore aujourd’hui une très forte sensation de malaise. La fin, sans concessions et par ailleurs relativement poétique, enfonce le clou avec une note aussi sombre que l’abysse méphitique qui semble avoir contaminé l’âme de la pauvre jeune femme, victime à la fois de son ascendance et de la cruauté de la vie, sans qu’il ait été possible de s’accrocher à une quelconque lueur d’espoir.

Petit film d’horreur de par sa production néanmoins soignée (les décors et costumes d’époque font honneur au savoir-faire du studio britannique), La Fille de Jack l’Eventreur s’impose aujourd’hui comme une parenthèse aux airs de téléfilm un peu kitsch mais également extrêmement dérangeante dans l’historique de la Hammer, à l’atmosphère très malsaine rehaussée par un climat naturaliste austère et glaçant. Typiquement le genre de film qui vous laisse perplexe quant à savoir si vous avez aimé cette expérience, ou si au contraire vous l’avez détestée…

Notre périple au cœur de la Hammer est à présent terminé.
S’il manque quelques films à l’appel comme L’Homme Qui Trompait la Mort (The Man Who Cold Cheat Death), X The Unknown, Le Redoutable Homme des Neiges (The Abominable Snowman) Les Etrangleurs de Bombay (The Stranglers of Bombay) Une Fille Pour le Diable (To the Devil… A Daughter), la trilogie Quatermass et quelques autres encore, nous avons néanmoins fait le tour des grands classiques que nous aura offert ce studio unique en son genre. A moins que…

Bruce ? Un autre article sur la Hammer ???

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Des zombies, la préquelle du Thriller de Wacko Jacko, une femme reptile et un Dr Jekyll transexuel ?! Tornado finit d’exhumer les trésors lugubres de la Hammer. Le croque-Monstre chauffe chez Bruce Lit. 

La BO du jour : Serait-ce le dernier article sur la Hammer par Tornado ? Parce que s’il devait continuer, il finirait par avoir la peau du pauvre Bruce qui n’en peut plus !!!